Atentados, guerra, amistad, terror, familias: las diez mejores películas de 2018

Nombres bien conocidos como Clint Eastwood, Paul Thomas Anderson, François Ozon, Hirokazu Kore-era o Alfonso Cuarón, pero también otras menos conocidas, si Na Hong-Jin, Martin McDonagh o Ryusuke Hamaguchi, firman los diez mejores películas estrenadas en Portugal 2018. Esta es la selección hecha por Eurico de Barros, crítico de cine del Observador, ahora que el año se acerca al final.

Una morada de un pueblo de Missouri (Frances McDormand), indignada con la demora del sheriff local (Woody Harrelson) en descubrir al violador y asesino de su hija, un agente (Sam Rockwell) burro, incompetente y violento, tres carteles de protesta puestos en la cárcel el camino que va a dar a la ciudad. El guionista, dramaturgo y realizador irlandés Martin McDonagh firma esta película llena de personajes intensos y agresivos, peripecias imprevisibles y vueltas rojas, que casa la tragedia pesada y el humor negro. Interpretaciones de mano completa de McDormand, Harrelson y Rockwell.

La recreación del atentado fallido del tren Thalis en Francia, en 2015, filmada por Clint Eastwood sin ganas de espectacularidad, empatía patriótica, discursos heroicos inflamados y retórica ideológica o cinematográfica, y trabajando en los límites de la economía, la elipse, la síntesis narrativa, psicológica y visual. Eastwood pone a los tres estadounidenses que han evitado el atentado a interpretarse a sí mismos y al recordar la vida del trío desde la infancia hasta el momento en que impidieron la tragedia, destaca la capacidad para el heroísmo de las personas más anónimas y cotidianas. Mete cualquier película de superhéroes en una zapatilla.

Daniel Day-Lewis se despidió de la representación en la cresta de la ola, con este fabuloso papel en el que incautó al modisto de la alta sociedad inglesa de los años 50 Reynolds Woodcock, esteta y perfeccionista, misantropo y aristocrático, e incapaz de someterse a la voluntad de otro. , en el trabajo o en la intimidad, y que se ve libre de las amantes como si fueran figuritas que pasaron de moda. La película se estrenará en el mes de mayo de este año, en la que participará en el Festival Internacional de Cine de Cannes. de corazón.

Es de Corea del Sur que viene algún del mejor cine de terror de hoy, como se puede ver por "El Lamento", la respuesta local a "El Exorcista". En Hong-jin toma en el tema de la posesión demoníaca, integrándolo en el contexto cultural y religioso surcoreano, instalando a poco y poco una atmósfera malsana y cerrada de terror sobrenatural con implicaciones teológico-metafísicas. Y lo hace no a la fuerza del recurso a una batería de efectos digitales, sino apoyándose en los actores, en los efectos de maquillaje, en el ambiente invernal en que la historia transcurre, en sugerencias visuales de resonancias espeluznantes y en un par de guinadas narrativas. Hasta el demonio de "El Lamento" es original.

Una de las mejores películas de François Ozon, pasado tras la I Guerra Mundial, entre Francia y Alemania, que adapta y prolonga una pieza pacifista de Maurice Rostand que Ernst Lubitsch filmó en los años 30. Servida por una asombrosa interpretación de la alemana Paula Beer, "Frantz" es una cinta austera, romántica y conmovedora, aunque nunca melodramática, rodada en blanco y negro, que dice que los vivos también son víctimas de guerra y pueden ser asombrados para siempre por los muertos bien amados, pero también ser unidos en el infortunio por ellos; y que el perdón, incluso dado con reticencia, ayuda a superar el odio.

En la vida de sus padres, el polaco Pawel Pawlikowski, inspirándose, con muchas libertades, en la vida de sus padres, cuenta la historia de una pasión complicada, turbulenta e indestructible a lo largo de la Guerra Fría, vivida por Zula (Joanna Kulig) y Wiktor (Tomasz Kot) ella bailarina y cantante, él parte del equipo del grupo folclórico donde ella actúa. Bajo la aparente austeridad y frigidez del blanco y negro en que fue filmado, "Guerra Fría" es una película emocionalmente arrasadora y magistralmente elíptica, con una banda sonora omnipresente y musicalmente correlativa de los acontecimientos de la historia y de los humores y estados de alma de los dos protagonistas .

La película del japonés Ryusuke Hamaguchi se centra en cuatro amigas en la casa de los 40 años que viven en la ciudad costera de Kobe y se encuentran en situaciones sentimentales, matrimoniales y domésticas muy diversas. "Happy Hour: Hora Feliz" invoca a cineastas tan diversos como Naruse, Rohmer o Edward Yang, y es un monumento de naturalismo, un trabajo de orfebres sobre la verdad humana, emocional y psicológica de los personajes y una radiografía detallada y sensitiva de los hábitos y de las relaciones culturales, familiares y sociales en el Japón contemporáneo.

Esta cinta independiente de terror cósmico cruzado con ficción científica, que incorpora las atmósferas y entidades de los libros de Lovecraft y el espíritu del arte de Escher, fue una de las mejores sorpresas de 2018. Jason Benson y Aaron Moorhead lo hacen todo en "El Interminable": realizan, escriben e interpretan. Y aun sin tener dinero para efectos especiales vistosos, crean un clima de horror sordamente omnipresente y un sentido de amenaza sobrenatural inminente, por la sugerencia, por la acumulación de acontecimientos extraños y por la perturbación de nuestra percepción de lo real y de la normalidad espacio-temporal.

El realizador de "Nadie sabe" y "Tal Padre, tal Hijo", ganó el Festival de Cannes con esta película en la que continúa explorando el tema de la familia y de las muchas formas que puede asumir. Aquí, se trata de una familia pobre, numerosa y feliz de los suburbios de Tokio, unida por la práctica del robo, del pequeño delito, del biscate y del empleo precario, pero en la que lo que parece no es. Aunque, paradójicamente, funciona mejor que muchas familias convencionales. Kore-eda dirige magistralmente un conjunto de intérpretes de varias edades y alcanza una calurosa, conmovedora y amarga verdad humana.

El título no se refiere a la capital de Italia, sino al barrio de clase media levemente decadente de la Ciudad de México donde Alfonso Cuarón vivió en la infancia con su numerosa y agitada familia, dos criadas y un perro. El realizador recrea a la lupa y en blanco y negro, un año melindroso de su vida, y de la de los suyos, entre 1970 y 1971, homenajeando a su afectuosa y dedadísima creada Cleo, que es el pivote narrativo y la antena emocional de la cinta. En el caso de que se trate de una película de ficción, la película se estrenará en el mes de mayo.